Marion Peck nait en 1963 à Manille, aux Philippines, alors que sa famille est en voyage. Elle grandit à Seattle. En 1985 elle est diplômée de l'École de Design de Rhode Island, puis étudie les Beaux-Arts à l Université Syracuse de New York et à l'Université Temple de Rome. Dès les années 90, elle expose dans des galeries à travers les États-Unis, puis à l'international. En France, c'est Magda Danysz qui la première identifie son talent et qui, en 2005, commence à montrer son travail à Paris. Marion Peck vit aujourd'hui à Los Angeles.
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Narcisse, ou le mythe de l image moderne
"Dans une société qui se regarde et se jauge à travers des images immédiates et surtout fugaces, Marion Peck s inscrit en réaction à tout cela. Ses peintures et ses dessins ne sont ni rapides à exécuter, la peinture à l huile nécessitant un temps long ; ni grandes pour impressionner le visiteur ; ni évidentes à comprendre au premier regard.
L artiste nous invite à étudier de plus près les marécages alimentés depuis des siècles par le mythe de Narcisse. De nos jours ces eaux n?en sont plus si belles et le reflet offert est très loin d être fidèle tel que pourrait le produire un miroir. Seul point commun avec l histoire contée par Ovide, notre société plonge, à se perdre, dans ces images faussées. Elle se noie dans ces flots sans prendre le temps d'apprécier autre chose que ses représentations sublimées.
A travers sa peinture, dont les sujets s imposent comme inconsciemment à l'artiste, Marion Peck s inscrit dans une tradition surréaliste, emplie de références mythologiques, construisant des légendes contemporaines. Rien n est plus parlant que ces créatures aux formes corporelles exagérées, produits monstrueux des temps modernes. La peinture de Marion Peck traite aussi de l inconscient, des rêves et cauchemars enfouis qui remontent à la surface.
Telles des tableaux de théâtre, ces oeuvres brillent par leur justesse d'observation quant aux paradoxes qui nous entourent. Dans un monde et une culture tendant vers une uniformisation des émotions et des représentations, Marion Peck appuie par touches subtiles, là où le bât blesse, là où se trouvent les failles de la nature humaine. Surréaliste dans sa façon de peindre, le travail de Marion Peck n'en est pas moins d'un réalisme émotionnel évocateur."
Magda Danysz
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Conversation
Nous collaborons depuis 2005, à l?époque avec une exposition à la galerie avec votre mari Mark Ryden, et il est intéressant de voir comment votre démarche est resté cohérente et a en même temps évolué avec le temps. A vos débuts, quelle a été votre inspiration et comment décririez-vous l'évolution de votre style ?
En tant que jeune artiste dans les années 90, je me suis inspiré des peintres de la première Renaissance italienne, comme Giotto et Piero della Francesco, ainsi que des peintres de la Rennaisance du Nord, comme Memling et Breughel. Pendant de nombreuses années, j'ai lentement appris à peindre en étudiant leurs oeuvres et j'ai eu du mal à utiliser ce que j'avais appris d'eux pour créer des peintures modernes qui semblaient fraîches, sincères, personnelles et sans être encombrées de prétentions académiques. Quand j'ai vu pour la première fois le travail de Mark Ryden, qui deviendra plus tard mon mari, cela m'a parlé. C'était incroyablement beau pour moi. Nous avions tellement de choses en commun, tant de choses sur lesquelles je travaillais étaient là. Son utilisation de références de la culture populaire moderne, comme cela n'avait jamais été fait auparavant, ressemblait à la pièce manquante du puzzle que je cherchais. Je pense que son influence s'est manifestée au début dans mon travail, même si cela ressemblait aussi à un continuum fluide de ce que je faisais auparavant. Au fil des années, je sens que je reviens plus à mes racines, à mon amour pour Giotto, etc. Il est intéressant de voir le cheminement de mon travail se révéler.
Au fil des années, vous avez peint et décrit comme un surréaliste pop? Comment décririez-vous dans vos propres mots votre style ?
Le pop surréalisme est un surréalisme mélangé à la culture populaire. Je dirais que cela décrit un peu mon travail, même si franchement je ne supporte une grande partie de ce qui est rattaché à ce « mouvement », souvent rien de plus que des copies honteuses et médiocres du travail de Mark. Je suppose que je n'étais pas la seule à ressentir son influence ! Mais il y a aussi d'excellents artistes qui s'identifient peut-être comme des pop surréalistes. Je m'identifie beaucoup plus comme surréaliste. J'ai un grand respect pour les premiers surréalistes, pour les dadaïstes du début du XXe siècle, et mes idoles en art sont certaines des femmes qui sont sorties de ce mouvement : Lenora Carrington, Remedios Vara, Dorothy Tanning. Je suis fasciné par les rêves, la mythologie et des penseurs comme Carl Jung. A travers mon art, j'essaie de pénétrer dans des couches de conscience plus profondes, dans des lieux de rêve, des souvenirs d'enfance, dans ce type d'endroits où vous pouvez parler avec les animaux.
Votre dernière série représente des ours, des corbeaux, des chiens, des chats, des poissons. Y a-t-il un symbolisme lié aux créatures que vous peignez ?
« Symbolisme » n'est pas le mot que je choisirais pour décrire ma démarche. Dès que nous pensons à quelque chose comme un « symbole », nous nous mettons dans une abstraction, nous regardons la carte au lieu de regarder autour de nous le paysage dans lequel nous nous trouvons. Les animaux qui ont trouvé leur chemin dans mes peintures ont traversé mes rêves et visions. Je fais juste de mon mieux pour les représenter à nouveau.
Dans chacune de vos peintures, il y a une histoire ou un sens sous-jacent ? Comment intégrez-vous cela dans votre processus, commencez-vous une peinture avec l'idée ou plutôt commencez-vous d'abord avec une image qui se transforme ensuite en message ?
Certainement plus la deuxième option, mais pas exactement, car elle ne se transforme jamais vraiment en « message ». Je commence avec une image et je reste avec une image. Les gens pensent souvent que le « sens » d'une chose doit être comme un « message », quelque chose que nous pourrions écrire avec des mots. Je pense que le « sens » ultime de tout est une image, pas un mot. Les mots sont quelque chose qui nous donne l'impression d'avoir une boîte bien rangée pour y mettre l'image. Mais le vrai sens est l'image, telle qu'elle est.
Toutes vos créatures, qu'elles soient humaines ou animales, ont en commun un regard particulier, les yeux souvent grands ouverts et très expressifs. Que voulez-vous qu'ils transmettent ?
Comme on dit, les yeux sont le miroir de l'âme. Je crois que la plupart du temps j'essaie de dépeindre une expression neutre, telles que je les trouve merveilleuses dans l'art de la Renaissance, ou encore celle d'un saint en plein martyre qui a le regard paisible et rivé au loin.
Parlez-nous du thème de votre nouvelle exposition « Between Worlds » préparée pour la galerie Danysz à Shanghai ? Qu'est-ce qui vous a inspiré ?
J'ai récemment découvert une artiste surréaliste américaine du milieu du siècle nommée Gertrude Abercrombie, et à bien des égards, la présente exposition a été inspiré par son travail. Elle a travaillé à petite échelle, réalisant de petites peintures simples mais magiques, et c'est ce que j'essaie de faire ici, à ma façon. Du fait de mes problèmes d'épaule cela m'a empêché de travailler à plus grande échelle, mais je constate que les limitations ont un effet stimulant sur ma créativité, comme le peuvent souvent les contraintes.
Dans « Bear Dream », la construction du tableau rappelle à la fois une scène de théâtre et un diorama du XIXe siècle. La référence théâtrale est récurrente dans votre travail. La scène est-elle une inspiration pour vous ?
Comme je le disais plus tôt, j'ai un amour particulier pour Giotto et les autres peintres de la première renaissance italienne, leurs façons de représenter les pièces et les bâtiments. J'adore l'utilisation poussée de la perspective, la sensation de compression qu'elle donne à l'espace. Cela donne l'impression d'être du théâtre. Le théâtre est une façon de représenter la réalité, et il y a quelque chose qui m'attire à représenter une représentation. Je suis attirée par les dioramas pour la même raison, pour leur recul par rapport à la « réalité », la couche de représentation qui nous fait sentir certain sens de «non-réalité». Les couches semblent distiller les choses, semblent en quelque sorte faire ressortir plusieurs directions.
Vous semblez aimer peindre des scènes de nuit, utiliser des lumières qui nous rappellent le crépuscule ou mettre vos personnages dans des cavernes ? Tout cela produit une lumière spéciale dans vos tableaux? Comment interprétez-vous l'éclairage que vous peignez ?
J'adore l'obscurité tout comme la lumière. L'obscurité est mystère, le yin du Tao, le féminin, les profondeurs de l'océan, du ciel nocturne, du subconscient. Pour aller au-delà de la conscience solaire normale et quotidienne, conduite par l'ego, c'est un mouvement vers l'obscurité. Je trouve que les moments les plus magiques sont l'aube et le crépuscule, lorsque la lumière et l'obscurité changent de place. Là, nous pouvons ressentir comme un lieu entre deux mondes. C'est l'endroit que j'essaie de peindre.
Vous peignez à l'huile, de manière très classique. Qu'aimez-vous en particulier dans cette technique ?
J'ai toujours été attirée par la peinture à l'huile d'une manière irrépressible. C'est un peu comme si je n'avais pas le choix, je suis né en voulant peindre ainsi, je ne sais pas pourquoi. Très vite dans la vie, j'ai découvert que je préférais de loin la peinture à l'huile à l'acrylique, un support que je ne supporte pas (c'est du plastique ! Beurk !). Chaque fois que je parle avec un peintre figuratif qui utilise de l'acrylique, j'essaie de les convaincre de passer à l'huile. Il a tellement plus de richesse et de gamme !
En employant la peinture à l'huile, le temps est essentiel et peindre prend beaucoup de temps. Comment gérez-vous cette caractéristique temporelle très spécifique ?
Je dis souvent que je n'ai pas vraiment un style de peinture qui serait le fruit d'une compulsion névrotique. À bien des égards, je suis un peintre naïf. J'ai souvent l'impression de ne pas savoir ce que je fais, comme si je me dirigeais aveuglément vers l'avant. Mais j'ai l'obligation de finaliser la peinture sur laquelle je travaille, alors j'y vais obstinément et fais tout ce qu'il faut pour y arriver.
Parfois, je le compare cela à de la cuisine, lorsque vous devez remuer une sauce encore et encore jusqu'au moment où elle commence à s'épaissir ou que les blancs d'oeufs commencent monter. Puis tout d'un coup, la peinture est « finie ». Parfois, il me faut énormément d'agitation pour y arriver.
Conversation entre
Marion Peck et Magda Danysz,
mars 2020
