Urbain.es

Dès le début de l’art urbain, les artistes introduisent la figure féminine, ou des questions liées, dans leur travail, et ce indifféremment de leur genre. Mais en quelques décennies, ce sujet a beaucoup évolué.

Les pionniers du graffiti dit « old school » (T-Kid, Quik) peignent quasi-systématiquement des femmes plantureuses, inspirées de l'univers de la bande dessinée. Quant aux quelques femmes du mouvement graffiti de la première heure, elles s’incarnent aussi sous des formes aguicheuses, à quelques exceptions près comme chez Lady Pink. Seule une artiste comme Miss.Tic impose dès le début des années 80 des textes aussi engagés que poétiques. La silhouette qui les accompagne, peut-être son avatar, n’en demeure pas moins sexy mais elle introduit, tout comme Miss Van, davantage de profondeur, d’ambiguïté et de complexité dans la représentation de la figure féminine.

A l’orée des années 2000, les artistes urbain.es puisent une force indéniable dans la revendication de leurs engagements. Ainsi Yseult YZ Digan, ou plus récemment encore Madame, placent dans le paysage citadin les portraits de femmes évocatrices tant de poésie et d’hommage au passé, que de combats plus actuels. La figure de la femme devient aussi un corps qui s’assume et revendique sa présence dehors (Aya Tarek). Mais pour tou.tes ces artistes, les engagements ne se cantonnent pas à une réductrice défense d’un genre au détriment de l’autre. Ils s’inscrivent au contraire dans des démarches plus larges, qui permettent d’envisager la place de la femme dans nos villes et nos sociétés à l’aune d’autres enjeux, qu’il s’agisse du lien social (JR, eL Seed, Saype mais aussi à leurs manières Swoon et Mark Jenkins) ou encore des questions écologiques et migratoires (Eko Nugroho, Robert Montgomery, Icy & Sot).

Aujourd’hui l’art interroge aussi la notion même de l’espace public en élargissant son champ d’expression à celui de l’espace digital. L’artiste argentine Amalia Ulman œuvre ainsi dans et avec ce nouveau territoire qu’est Instagram, tandis que le collectif d’artistes français Obvious dont l'outil est l'intelligence artificielle propose de créer une œuvre sur les femmes ensemble.

- Magda Danysz

eL Seed utilise la calligraphie arabe et un style distinctif pour diffuser des messages de paix, d’unité et pour souligner les points communs de l’existence humaine. Ses œuvres d’art se retrouvent dans le monde entier et visent constamment à unifier les communautés et à corriger les stéréotypes. Né en 1981 à Paris de parents tunisiens, il a passé sa jeunesse à apprendre le graffiti et le breakdance. Il était déconnecté de ses racines arabes, ne parlant que le dialecte tunisien de la langue à la maison. À l’adolescence, dans une sorte de quête de son identité, il a commencé à se plonger dans son propre héritage et a appris à lire et à écrire l’arabe standard. C’est au cours de cette quête qu’il a commencé à développer son style artistique de calligraphie, qui lui vaudra plus tard une reconnaissance mondiale.

ICY (né en 1985) et SOT (né en 1991) ont grandi en Iran et résident aujourd’hui à New York. Artistes de renommée internationale, ils ont exposé leur travail notamment au Musée de l’Art Urbain et Contemporain de Munich, à la galerie Saatchi de Londres, ou encore au Musée des Beaux- Arts de Calais. Les premiers pochoirs d’ICY & SOT commencent à faire parler d’eux dans le courant des années 2000 dans les rues de Tabriz, une ville du nord de l’Iran. Les deux frères n’ont pas cessé depuis de parfaire leur maîtrise de cette technique, tout en élargissant leur pratique à une vaste gamme de médiums : sculpture, installations, photographie, performances... «Nous avons décidé, disent-ils, que quelle que soit l’idée que nous aurions, nous emploierions tout matériau ou tout médium, quel qu’il soit, qui lui donnerait le plus de force. »  C’est donc l’idée, ou plus exactement le message, qui gouverne la production des deux artistes. Depuis les pochoirs des premières années, le message tient effectivement une place centrale dans leur travail. ICY & SOT produisent un art littéral, au sens le plus noble : un art qui cherche, et trouve, le chemin le plus court pour communiquer.

JR’s practice lies at the intersection of photography, street art, film, and social practice. The artist is best known for his site-specific public interventions, which usually feature large-scale, black-and-white photographs overlaid on building façades, stadium seats, and a variety of other architectural and landscape features. His practice often comments on such issues as incarceration, immigrant rights, and poverty—yet JR infuses his work with joy and hope for change. He has exhibited in cities including New York, London, Paris, Tokyo, Berlin, and Seoul. JR’s work belongs in the collections of the Musée de l’Elysée, the San Francisco Museum of Modern Art, the Brooklyn Museum, the Museum of Modern Art, and the Museum Frieder Burda. In addition to his public interventions, JR has produced a number of films, including a collaboration with the famed French director Agnès Varda.

Eko Nugroho sillonne Paris comme il sillonne Yogyakarta, sur l’île de Java où il vit. Il capte le bruit et la fureur de la rue, les jeux de regard, d’identité, les attitudes. Il traduit ces flux dans ses dessins et motifs qui envahissent l’espace. Tous les moyens de création sont bons pour traduire ces mixages entre Indonésie et Occident, culture de rue et monde de l’art, enjeux politiques et réflexions intimes. Bien que formé à l’Indonesian Art Institute et présenté dans des galeries et musées, son travail est profondément ancré dans l’univers urbain. Depuis dix ans, il édite la revue de bande dessinée Daging Tumbuh ouverte aux artistes de tous bords ; dirige une entreprise de vêtements qu’il customise et fait réaliser par les laissés-pour-compte de son quartier, dans une Indonésie qui peine à trouver une stabilité économique.

Autodidacte né en 1989, Saype est considéré comme le pionnier d’un nouveau style de land art. En 2012, interpellé par la révolte des printemps arabes, Saype se questionne sur le sens de notre existence et sur notre place dans la société. En parallèle de son travail d’infirmier il développe alors une nouvelle approche artistique. Partant du postulat que le graffiti est dilué dans la pollution visuelle actuelle, Saype cherche à trouver un nouveau moyen d’interpeller les gens en prenant de la hauteur. Il décide ainsi de sortir des sentiers battus.

En quête continue de nouveautés et de sources d’inspiration, il choisit de peindre directement sur le sol. Après plusieurs années de recherche, il réussit à mettre au point une peinture totalement éco-responsable qu’il réalise lui-même à partir de caséine, de charbon et de craie. Il est donc désormais connu pour ses fresques gigantesques et éphémères peintes directement sur l’herbe ou sur le sable, ses œuvres questionnent l’homme sur son rapport au temps, à l’espace mais surtout à la nature...

Il débute en 2019, au pied de la tour Eiffel, le projet « Beyond Walls » qui a pour ambition de réaliser la plus grande chaîne humaine au monde. Depuis, ces fresques voyagent dans tous les continents, dans le but d’interpeller les gens et la société tout en minimisant son impact sur la nature.

Née à Alexandrie, en Égypte, en 1989, Aya Tarek est une peintre, une artiste de rue et une illustratrice qui possède un portefeuille passionnant de projets artistiques divers, de longs métrages et de collaborations artistiques qui lui valent une reconnaissance internationale dans les grandes villes, de Sao Paolo à Francfort. L’expérimentation est au premier plan des activités artistiques actuelles de Tarek. Grâce à l’utilisation de supports innovants tels que la réalité virtuelle et la découverte de nouvelles formes de peinture en studio. Tarek cherche à utiliser son expérience en tant qu’artiste pour revisiter ses racines dans la formation classique et se pousser dans des directions nouvelles et inexplorées.

Né en 1977, Aguirre Schwarz est un artiste plasticien et peintre français qui, au tournant des années 2000, s’est d’abord fait connaître sous le pseudonyme de Zevs (prononcer Zeus), acronyme pour Zone d’Expérimentation Visuelle et Sonore. Menant une réflexion critique sur la notion de pouvoir, en particulier économique, Aguirre Schwarz s’intéresse au statut et à l’omniprésence des images, des marques et des logos. A Berlin, en 2002, il prend en otage l’image de l’égérie des cafés Lavazza et kidnappe l’affiche de plus de 10 mètres de haut sur la Alexanderplatz en laissant un message de demande de rançon. Les négociations avec l’entreprise italienne dureront plusieurs années, donnant lieu à divers rebondissements et présentations, dont celle du Palais de Tokyo en 2005. L’installation “Visual Kidnapping”, qui retrace l’ensemble de cette performance et porte un regard critique non dénué d’humour (noir) sur la façon dont le monde publicitaire instrumentalise et “prend en otage” l’image de la femme dans l’espace public sera réactivée pour l’exposition de La Condition Publique.